El momento decisivo: lo que Henri Cartier-Bresson realmente quería decir.

El maestro de la fotografía, Henri Cartier-Bresson, hizo algunas observaciones clave sobre la fotografía, traducidas como “el momento decisivo”, que a menudo se caracteriza (incorrectamente) como: “capturar un evento efímero y espontáneo, donde la imagen representa la esencia del evento mismo”. Se escribe mucho sobre la experiencia psicofísica de los “momentos decisivos”, pero estas inferencias, si bien son interesantes y geniales, no son de lo que Cartier-Bresson estaba hablando y representa una interpretación errónea de sus escritos. Aunque puede parecer un debate algo académico, no solo encuentro los escritos de Cartier-Bresson particularmente instructivos hoy en día, sino que también esta falta de comprensión perjudica a cualquiera que intente aprender fotografía callejera.

El libro que Cartier-Bresson escribió en 1952, en francés, se llamaba L’imagérie à la Sauvette (Imágenes al vuelo) y junto con un gran portafolio de su trabajo, es una revisión muy concisa de su proceso de fotoperiodismo. Fue bastante literalmente sobre tomar fotografías en un mundo dinámico y en movimiento. Utilizó el término “momento decisivo” en su escritura, con un significado muy específico, pero el término fue apropiado como título en la traducción al inglés y ha llevado a una generación que pasa por alto por completo el punto.

Nota: Todas las citas son de “El momento decisivo” de Cartier-Bresson, Simon and Schuster/Editions Verve, 1952.

El momento decisivo se trata solo de la composición.

Aquí se describe el momento decisivo.

Si una fotografía tiene que comunicar su sujeto en toda su intensidad, la relación de forma debe establecerse rigurosamente. La fotografía implica el reconocimiento de un ritmo en el mundo de las cosas reales. Lo que el ojo hace es encontrar y enfocarse en el sujeto particular dentro de la masa de realidad… En una fotografía, la composición es el resultado de una coalición simultánea, la coordinación orgánica de elementos vistos por el ojo. No se agrega la composición como si fuera una idea tardía superpuesta al material básico del sujeto, ya que es imposible separar el contenido de la forma.

La composición debe tener su propia inevitabilidad.

Pero dentro del movimiento hay un momento en el que los elementos en movimiento están en equilibrio. La fotografía debe capturar este momento y mantener inmóvil su equilibrio. [énfasis mío]

El momento decisivo es una propiedad del punto de vista y del encuadre (y por supuesto del momento adecuado), y no tiene que ver con la esencia del evento externo. Su argumento es que en el torbellino de la humanidad y la naturaleza, que nos rodea, ocasionalmente hay momentos fugaces en los que los objetos en movimiento se alinean naturalmente en el encuadre.

Es cierto, sin embargo, cuando todos esos elementos compositivos se alinean, lo que estás fotografiando puede revelar algo mágico e icónico. Pero esto es resultado de la composición. Y capturarlo realmente no se puede lograr a través de un pensamiento organizado y una estructura forzada, sucede a través del instinto, de presionar el disparador en un instante basado en la intuición.

La composición debe ser una de nuestras preocupaciones constantes, pero en el momento de tomar la fotografía solo puede surgir de nuestra intuición, ya que buscamos capturar el momento fugaz y todas las interrelaciones involucradas están en movimiento.

Encuentro que esta demostración de física es una buena ilustración de cómo los objetos en movimiento en el mundo real pueden parecer caóticos y aleatorios, pero periódicamente, en ciertos momentos, hay un patrón y armonía, que desaparece rápidamente (Es posible que desees silenciar el sonido en este video).

El mundo real obviamente no es tan estructurado, pero estos sentimientos subyacen en capturar los “momentos decisivos”: los momentos en que los objetos en movimiento logran una armonía visual.

Además, debido a esta posición, Cartier-Bresson argumenta en contra del recorte, señalando que si compones cuidadosamente al disparar, el recorte no creará un equilibrio y armonía que te hayas perdido. Se puede debatir que muchas fotos geniales y famosas son el resultado del recorte, el retrato de Stravinsky de Arnold Newman es un ejemplo de muchos, pero el deseo de Cartier-Bresson de lograr esto en la cámara es loable (y también una crítica a los editores de revistas que podrían recortar una foto “buena” - lo cual generalmente la arruina).

Si empiezas a recortar o cortar una buena fotografía, significa la muerte para el juego de proporciones geométricamente correctas. Además, rara vez sucede que una fotografía que fue débilmente compuesta pueda ser salvada mediante la reconstrucción de su composición bajo el agrandador del cuarto oscuro; la integridad de la visión ya no está allí.

Desprecia la regla de los tercios, la media dorada y otras reglas.

Es importante, Cartier-Bresson explica por qué las “reglas” no son la forma en que se hace la composición. Y aunque la Proporción Áurea (y agregaría, la Regla de los Tercios) pueda ser interesante para el análisis, no tienen lugar en tomar una foto.

Cualquier análisis geométrico, cualquier reducción de la imagen a un esquema, solo se puede hacer (por su propia naturaleza) después de que la fotografía ha sido tomada, revelada e impresa, y luego solo se puede utilizar para un examen postmortem de la imagen. Espero que nunca veamos el día en que las tiendas de fotografía vendan pequeñas rejillas de esquemas para sujetar a nuestros visores; y la Regla de Oro nunca se encontrará grabada en nuestro cristal mate. [énfasis mío]

Creo que Cartier-Bresson se decepcionaría por el uso de las rejillas de la regla de los tercios que a veces se proporcionan en los visores de las cámaras, y totalmente inapropiadas como bases para enseñar la composición fotográfica.

Una situación dinámica en una sola imagen

Al principio del libro, él articula su ambición de capturar la esencia de una situación dinámica en una sola imagen - la fuente del mal uso de “un momento decisivo”.

Merodeé las calles todo el día, sintiéndome muy tenso y listo para atacar, decidido a “atrapar” la vida, para preservar la vida en el acto de vivir. Sobre todo, ansiaba capturar, en el marco de una sola fotografía, toda la esencia de alguna situación que se estaba desplegando ante mis ojos.

Continúa describiendo una “historia” de fotos: una serie de fotos utilizadas para cubrir un evento. Esto a menudo se confunde con la ambición anterior. Pero sugiere que sería inusual que una sola imagen transmita lo que una serie de imágenes puede.

A veces hay una imagen única cuya composición posee tal vigor y riqueza, y cuyo contenido irradia tanto desde ella, que esta sola imagen es una historia completa en sí misma. Pero esto rara vez sucede.

No sobre o debajo de disparar

Advierte sobre excederse; los fotógrafos necesitan equilibrar tomar un montón de fotos y no tomar suficientes y perder algo importante. Un fotógrafo debe ser selectivo.

“El mundo real ofrece tal abundancia de material que un fotógrafo debe evitar la tentación de intentar hacerlo todo…” escribe Cartier-Bresson. “Es esencial evitar disparar como una ametralladora y cargarse con grabaciones inútiles…”

Esto es especialmente apropiado hoy, con la baja fricción en la captura de imágenes y trasladando la carga a una exhaustiva postproducción. Por supuesto, no se quiere perder el momento y ciertamente hay temas en todas partes que podrían resultar interesantes, pero él sugiere que esta cobertura debe ser medida.

Fotografía candidata para autenticidad.

Cartier-Bresson habla de la importancia de ser sigiloso al disparar si quieres capturar algo auténtico. Recuerda que la pequeña cámara de alta calidad era relativamente nueva, al igual que la atracción por la fotografía candida, de la cual él era partidario. Él dice:

En cualquier historia en imagen que intentemos hacer, estamos destinados a llegar como intrusos. Es esencial, por lo tanto, acercarse al tema de puntillas, incluso si el tema es naturaleza muerta. Una mano de terciopelo, un ojo de halcón, todos deberíamos tenerlos.

Dice que si tu intención de disparar es evidente, debes retroceder y hacer que tus sujetos se sientan cómodos con tu presencia. Cuando el sujeto se siente incómodo de alguna manera, la personalidad desaparece donde la cámara no puede alcanzarla.

Relacionado, argumenta a favor de fotografiar con luz natural, para no perturbar la verdadera escena. “Y tampoco se deben tomar fotografías con ayuda de la linterna, si solamente por respeto a la luz real, incluso cuando no haya ninguna. A menos que un fotógrafo observe estas condiciones, puede convertirse en un personaje insoportablemente agresivo”.

Sobre encontrar la temática

Cartier-Bresson argumenta que muchos otros han argumentado: que no hay fin de temas posibles (y como dijo Elliott Erwitt años después, que la fotografía se trata menos del objeto y más de cómo lo ves).

Cartier-Bresson dice “Hay tema en todo lo que sucede en el mundo…” y “En la fotografía, lo más pequeño puede ser un gran tema”. Continúa “El tema no consiste en una colección de hechos…” lo cual señala la distinción entre fotografiar objetos vs. momentos. “Hay miles de formas de destilar la esencia de algo que nos cautiva”.

Él continua detallando la fotografía de retratos y rostros, y al intentar capturar la identidad del modelo, señala la problemática relación con un cliente que quiere “ser halagado, y el resultado ya no es real”.

El momento decisivo se considera uno de los libros más importantes del siglo XX sobre fotografía, y hay amplias lecciones en su elegante texto, ilustradas por su trabajo histórico. Pero el uso incorrecto y la falta de comprensión de sus lecciones deben ser revisados por los instructores de fotografía.

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Sobre el autor: Michael Rubin, anteriormente de Lucasfilm, Netflix y Adobe, es un fotógrafo y presentador del podcast “Everyday Photography, Every Day”. Las opiniones expresadas en este artículo son únicamente las del autor. Para ver más de Rubin, visita Neomodern o síguelo en Instagram. Este artículo también fue publicado aquí.