Fotografía de arte: Una guía completa.

La fotografía de arte ha cobrado gran popularidad en la última década, y es un término que muchos fotógrafos utilizan para tratar de elevar su producción y venderla a través de galerías y ventas de impresiones. Pero, ¿qué es realmente la fotografía de arte? En este artículo, exploraremos el mundo de la fotografía de arte, desde qué es hasta cómo puedes comenzar en ella como fotógrafo.

Tabla de contenidos

• ¿Qué es la fotografía de bellas artes?
• Cómo tomar fotografía de bellas artes
• Preparando tus fotos de arte fino para el mundo.
• Cómo ingresar tu arte fino en una galería.
• El negocio de la fotografía de arte fino.

¿Qué es la fotografía de bellas artes?

El criterio principal que distingue a la fotografía de bellas artes de otros campos es que las bellas artes no se trata de registrar la realidad fotográficamente. Las bellas artes se alejan del fotoperiodismo documental y se basan, en primer lugar, en el artista y en lo que el artista ve en su interior y ser. Una fotografía de bellas artes debe expresar plenamente los sentimientos y la visión del fotógrafo, y revelar que fue creada por un artista y no solo por la cámara.

Así llegamos al núcleo de la fotografía de bellas artes: la visión del fotógrafo. Se trata del mensaje o la emoción que el fotógrafo busca evocar cuando alguien está experimentando su imagen, que después de todo debería ser el objetivo de cada imagen fotográfica. Muchos artistas en algún momento de sus carreras han luchado por encontrar su visión y su inspiración, así que no estás solo si te sientes así. Al igual que hay momentos en los que tu mente está en un estado de vibración y tienes tantas ideas que no puedes dormir, también hay momentos en los que parece que tu mente está vacía.

¿Qué es la visión en términos de arte? El arte es expresarte a ti mismo. Para poder expresarte, tienes que entender lo que quieres expresar, ser consciente de ello. Para que eso suceda, necesitas empezar por pensarlo, y por lo tanto, desarrollar tu visión. Entonces, ¿por dónde empiezas?

Muchos fotógrafos de bellas artes prospectivos se sienten desilusionados al intentar ingresar al mundo de las impresiones y galerías de bellas artes. Aunque al principio puede parecer desalentador, con trabajo duro y dedicación, no es imposible dejar una huella en el escenario de las bellas artes.

Cómo tomar fotografías de bellas artes

Entonces, ¿cómo empiezas en la fotografía de arte fino? Primero, necesitarás crear un cuerpo de trabajo único con tu visión creativa y estilo personal.

Un cuerpo de trabajo implica una colección de imágenes que evocan un único tema, mensaje y estilo. El contenido temático debe ser coherente, al igual que el estilo de captura y postproceso para todo el proyecto. Aunque se puede contar una historia y transmitir un mensaje profundo con una sola imagen, para que un artista tenga un impacto en el mundo del arte, necesita demostrar su valía a lo largo del tiempo con una producción continua de arte de alto nivel.

Idealmente, tu cuerpo de trabajo debería ser tan poderoso e impactante que cualquier persona que lo vea pueda decir que eres el artista que produce esa obra de arte, sin que tu trabajo necesite estar firmado. Solo grita tu nombre, tiene tu identidad y te define como artista. El mundo está lleno de fotógrafos de arte en potencia. ¿Cómo puedes destacar? Talento, trabajo duro, autocrítica, tutoría y consejos.

Aprende de los maestros… pero innova, nunca imites.

Sé que este consejo es obvio y que es difícil ser innovador en el mundo de la fotografía actual. Pero no es imposible, y hay que admitir que esta es la realidad de trabajar en el arte hoy en día.

La fotografía de bellas artes es un nicho muy difícil y ningún libro, artículo o taller puede enseñarte mejor que estudiar las obras de maestros anteriores, aprender de su producción fotográfica y descomponer las imágenes en sus componentes esenciales, pero es extremadamente importante nunca copiar.

No te detengas solo en los fotógrafos, también se puede aprender visualizando composiciones utilizadas en cinematografía, en diseño de libros y por escultores y arquitectos.

El objetivo no es reinterpretar lo que han hecho otros maestros de la fotografía, aunque eso también podría ser útil como ejercicio, aunque solo al principio cuando uno está empezando. El objetivo es dejar que tu mente se inspire para poder descubrir una nueva idea motivada por su trabajo, una idea que será tuya y que se ajustará mejor a tu estilo y personalidad como artista, así como a tus experiencias de vida que te han convertido en el artista que eres hoy.

Para empezar, echa un vistazo a las obras de Henri Cartier-Bresson, Michael Kenna, Ansel Adams, Berenice Abbott, Hiroshi Sugimoto y Fan Ho. Para mí, estos son maestros de la fotografía de bellas artes y todos han aportado algo nuevo y emocionante a la fotografía.

Sal de tu zona de confort.

No importa cuál sea tu elección de género fotográfico, siempre debes estar abierto a probar algo nuevo. Cambiar a un estilo diferente de fotografía te hará pensar fuera de lo convencional y salir de tu zona de confort.

Una forma de desafiarte es fotografiar un género diferente al que estás acostumbrado. Por ejemplo, si eres un fotógrafo arquitectónico como yo, decide fotografiar un espectáculo de baile rápido o viceversa; o si tu estilo de fotografía es lento, utilizando un trípode para hacer exposiciones largas de varios minutos u horas, decide fotografiar deportes, donde necesitas fotografiar a pulso la mayor parte del tiempo y moverte rápidamente para enfocar en tu sujeto elegido.

Cambiar la forma en que disparas o el género puede resultar un poco incómodo al principio, pero llamará la atención sobre cosas de las que no eras consciente al disparar dentro de tu zona de confort habitual.

Preparando tus fotos de arte fino para el mundo.

Ahora que has definido tu visión y has comenzado a producir proyectos artísticos, necesitas dar a conocer tu trabajo y asegurarte de que sea visible. Las competiciones realmente no llevan a ninguna parte en términos de ser seleccionado por galerías. Necesitas estar preparado para el largo plazo y apuntar a que el proceso tome el tiempo que necesite.

Tener una fuerte presencia en línea a través de tu sitio web y las redes sociales es esencial. Instagram es un poderoso medio para los fotógrafos, al igual que el incansable y constante networking.

Mejora tu postprocesamiento fotográfico

Crear fotografía innovadora no implica solamente utilizar una cámara digital en la actualidad, sino también saber cómo llevar los negativos digitales que la cámara producirá al estado de tu propia visión, utilizando el laboratorio digital de software, el corolario del antiguo laboratorio analógico de luz roja. Comprender y dominar el procesamiento digital posterior te dará libertad e inspiración, ya sea utilizando Capture One Pro o Photoshop.

Tomé la decisión voluntaria de editar en blanco y negro, ya que ese es el lenguaje de mi visión interior y se adapta perfectamente a la fotografía de arte. Conduce al espectador lejos de la realidad y evoca imágenes atemporales y misteriosas y a través de él, puedo expresar completamente mi visión.

Aprende el arte de la impresión.

Pre-2000, la película analógica se procesaba y, casi siempre, se imprimía. Hoy en día, la impresión parece haber quedado relegada a los álbumes de bodas y… a la fotografía de arte, ya que la mayoría de las imágenes digitales simplemente se muestran a través de Internet.

La impresión no es tan intimidante como parece al principio, y debería ser el punto final de cada proceso de producción y difusión de imágenes de un fotógrafo de bellas artes. El método de impresión y la elección del papel son decisiones muy personales, siendo la impresión de gelatina de plata y platino-paladio especialmente atractivas para los fotógrafos de bellas artes.

Familiarízate con el arte de la impresión, o usa los servicios de un impresor profesional que tenga reputación en la impresión de bellas artes.

Expresa tu producción artística verbalmente

Es esencial saber cómo hablar sobre tu trabajo, tanto en forma de declaración del artista como verbalmente. Escribir tu declaración de artista te ayuda a formar tus ideas y expresarlas en palabras, pero también es importante poner palabras a tus ideas en tus conversaciones.

Mucha gente me dice, “No me gusta hablar de mi trabajo” o “Mi trabajo se explica por sí mismo”, pero realmente no es así. Necesitas darle a tus espectadores un lugar para entrar en él. La mejor manera de vender arte es tener una historia para ello. La historia puede ser técnica, emocional, inspiradora, histórica, anecdótica o incluso política, pero necesitas ser capaz de explicarla.

Llevar tu obra de arte al interior de una galería.

Una vez que hayas terminado tu trabajo y esté listo para ser mostrado al mundo, seguramente querrás encontrar una galería para exhibir el arte. Encuentra la galería que se ajuste a ti, tu producción y tus objetivos.

Investiga galerías antes de acercarte a ellas, ya que no todas las galerías son adecuadas para ti o tu estilo de fotografía de bellas artes. Tampoco todas las galerías están interesadas en la fotografía de bellas artes, ya que cada galería y galerista tienen sus propias estéticas, intereses y enfoques.

También es extremadamente importante desarrollar una relación con la galería en la que deseas exhibir. El responsable de tomar decisiones en la galería está constantemente ocupado, por lo que al formar parte del público habitual de la galería, estás conociendo a las personas adecuadas.

No esperes ser buscado.

Aunque no es inaudito, en mi experiencia es altamente improbable que una galería comercial de alta gama se encuentre con un fotógrafo “por casualidad”. Una galería generalmente decide cuando hay suficiente interés en un determinado fotógrafo de bellas artes como para acercarse a ellos, pero rara vez, si alguna vez, sucede después de presentar un portafolio a la galería misma.

Juega el juego largo.

Se necesitan muchos muchos años para convertirse en un nombre común en los círculos de la fotografía de bellas artes, y más allá de cierto umbral de precio de impresión, los coleccionistas están comprando la reputación de tu marca, más allá de la propia impresión, y eso lleva años de trabajo duro. Años de publicar libros, realizar exposiciones y ganarse el respeto de los críticos y la comunidad fotográfica, para que cuando un coleccionista vea tus impresiones en una pared de galería, entienda todo lo que hay detrás del nombre del artista.

Lleve a su audiencia con usted

Asegúrate de tener tu propia audiencia para llevar a una galería. Esto es algo que puedes construir tú mismo, especialmente a través de herramientas en línea o en eventos. Crea listas de correo y un grupo de seguidores, y lleva un registro de las personas que muestran interés en tu trabajo. Un artista siempre debería estar construyendo su propia audiencia y ser capaz de mantener el control sobre esa audiencia.

Sigue las pautas de presentación y las instrucciones.

Una vez que hayas establecido una relación con una galería, averigua cuáles son las políticas de presentación de la galería. No modifiques las reglas en este caso y asegúrate de tener tu material listo para enviar, incluyendo imágenes de alta calidad que incluyan el título y las dimensiones de la obra. Ten un portafolio en línea sólido, así como una versión impresa, así como tu biografía, CV y declaración de artista listos cuando comiences a buscar galerías. Debes tener tu propio sitio web; se espera y es un signo de profesionalismo.

Entender cómo funcionan las comisiones de la galería

La mayoría de las galerías esperan una comisión del 40 al 60%, así que para traerte clientes y promover tu trabajo, paga tus comisiones a tiempo. Negocia de antemano lo que una galería hará por ti en términos de relaciones públicas y marketing en las negociaciones de tu contrato. Si están obteniendo un buen porcentaje, asegúrate de que se lo merecen. Quieres saber qué están haciendo para asegurarse de que tus fotografías de arte lleguen a las personas adecuadas. Pero, al mismo tiempo, también debes hacer tu parte.

El negocio de la fotografía de arte.

El género de la fotografía de bellas artes no es fácil, y a medida que avanzas en la industria, es importante recordar siempre que el fracaso es temporal.

“No lograr ingresar a una galería solo significa que no funcionó en esta ocasión. Durante mi beca de seis meses en Nueva York, fui rechazado por 23 galerías… antes de ser buscado por dos galerías enormes. No lo tomes personalmente, no dejes que nadie te disuada de tus metas y no te rindas. Descubre qué salió mal, qué podrías hacer mejor, aprende de la experiencia, adáptate, mejora y repite.”

Desarrollar una fuente de ingresos lucrativa

Desde que me convertí en freelance en 2016, desarrollé una carrera paralela fotografiando para empresas arquitectónicas y editoriales, lo que me proporciona un flujo de ingresos seguro. Los clientes se acercan a mí con un resumen y un tema, y luego tengo margen artístico para desarrollar su proyecto desde una perspectiva diferente, por eso se acercaron a mí en primer lugar. Es importante lograr la seguridad financiera y obtener ingresos con tu cámara, lo que te permitirá tener la libertad y el tiempo para trabajar en tus proyectos personales sin la presión de ganar dinero con ellos.

No te vuelvas loco con los precios: ¡Conoce tu punto de precio!

Cuando estés estableciendo el precio de tus impresiones al iniciar, no seas codicioso. Sigo asombrado por los jóvenes fotógrafos que intentan cobrar miles en su primer año, más que Michael Kenna, quien ha estado sacando y vendiendo impresiones durante 50 años. Tienes que demostrar tu valía. Inicialmente, necesitas impulso y exposición, no dinero; quieres que los coleccionistas compren tu trabajo y corran la voz: fijar el precio en $10,000 en tu primer año no te traerá ventas ni comentarios positivos.

Actuar profesionalmente desde el principio.

Trata tus impresiones de arte con respeto, imprímelas profesionalmente y decide el tamaño de la tirada de impresión y mantente fiel a ella (por ejemplo, edición limitada de 10 o menos ± pruebas de artista - AP). Haz un seguimiento de las impresiones que vendas y a quién. Siempre responde a la correspondencia de manera rápida y sé educado con tu público.

Recuerda lo que te hizo enamorarte de la fotografía.

Dejé el mejor consejo para el final. Cada uno de nosotros tiene una razón única por la que nos acercamos a la fotografía y otra razón por la que nos mantuvimos apegados a ella. Recuerda cuál fue el evento que te atrajo a comenzar con la fotografía, para que puedas reavivar ese amor y volver al entusiasmo que sentiste al principio.

Para mí, la fotografía entró en mi vida en un punto de inflexión y me ayudó a superar un período difícil, permitiéndome viajar por el mundo fotografiando todos los temas que podría desear y más. Como profesor, la fotografía también me llevó a enseñar a otros cómo ingresar a este hermoso arte y no cambiaría ese sentimiento por nada en el mundo.

Solo ama tu producción de bellas artes.

Después de hablar sobre el mensaje, la visión, los estilos de disparo, el proceso posterior y el equipo de fotografía, volvemos al punto de partida para entender realmente de qué se trata la fotografía artística. Fotografiando por amor y amando fotografiar. Es un ciclo interminable: producimos arte porque sentimos la necesidad de hacerlo, lo difundimos, nos inspira y a su vez nos inspiramos en otras obras de arte que encontramos.

Conclusión

La fotografía de arte es un género muy gratificante en la fotografía, y no necesita parecer intimidante o inaccesible. Requiere trabajo duro, dedicación e intensidad apasionada, pero el resultado final está al alcance y es gratificante. Nunca dejes de intentarlo.

Sobre el autor: Dr. Charles Paul Azzopardi es un fotógrafo de bellas artes, curador, consultor del patrimonio cultural fotográfico y escritor. Las opiniones expresadas en este artículo son únicamente las del autor. Puedes encontrar más trabajos de Charles en su sitio web e Instagram.

Créditos de la imagen: Foto de stock de Depositphotos