Fotografía de danza: Una guía completa.

Fotografiar a bailarines puede ser uno de los temas más desafiantes en fotografía, pero también uno de los más gratificantes en términos de las imágenes finales capturadas. La danza puede ser un tema implacable, y a menos que se profundice más y se intente comprender el movimiento, la coreografía, la pieza y cómo capturar la luz que golpea a los bailarines, será difícil lograr imágenes premiadas. La fotografía de danza, generalmente comprendemos capturar una actuación de danza en vivo, ya sea el espectáculo en vivo o el ensayo, y no movimientos de danza escritos dentro de un estudio controlado, que permite controlar la luz, la posición y la elección de la vestimenta para el bailarín. El estilo hecho famoso por Lois Greenfield sería más adecuadamente denominado fotografía de la figura humana o fotografía estructural anatómica en lugar de fotografía de danza. Limitaremos, por lo tanto, el alcance de esta guía a la definición de fotografía de danza mencionada anteriormente.

Tabla de contenidos

• Antes de empezar.
• ‘¿Ensayo o en vivo?’
• Equipo
• Ajustes
• “Post-Procesamiento”
• Conclusión

Antes de que empieces

Fotografiar danza requiere planificación, coordinación con compañías de danza y auditorios, así como preparación personal, como todos los demás géneros de fotografía. Pero ¿cómo se capturan los momentos de fracciones de segundo que revelan la gracia, la anatomía, el movimiento y el poder en la coreografía de la danza, logrando imágenes fotográficas estelares?

Anticipación, reflejos, escuchar los ritmos, sentir la música y entender la danza son todos importantes, al igual que conocer los fundamentos de la coreografía y las artes escénicas. Aunque los estilos de baile varían, con la danza contemporánea diferenciándose mucho del ballet o el flamenco, el movimiento de la danza es algo que uno aprende a predecir y estar preparado. Sentir el tempo de la música y su interacción con el baile ayuda al fotógrafo a sumergirse en la vibra y zona de la sesión de fotos, y estar consciente del vocabulario de los movimientos de danza te ayuda a leer qué podría ser el siguiente movimiento.

Con experiencia y práctica, empiezas a aprender cuando se está preparando un salto, cuando se está organizando una formación particular del grupo, y cuándo presionar el obturador al ritmo de la música para evitar interrumpir al público.

‘¿Ensayo o en vivo?’

Cuando se realiza la grabación de una danza, generalmente se tiene la oportunidad de fotografiar ya sea el ensayo general de la compañía, previa autorización y acuerdo con la propia compañía de danza, con la cual se debe mantener la mejor relación para tener acceso sin restricciones, o una de las presentaciones de la función de danza con un público de pago presente.

Los bailarines y compañías de danza suelen ser notoriamente difíciles de contactar y mantener una relación a largo plazo, pero no es imposible. Se debe evitar trabajar de forma gratuita o para “aumentar el propio portafolio”, ya que esto resulta en daño para la industria misma y para los fotógrafos colegas.

Las audiencias pagan tarifas monetarias para disfrutar de un espectáculo de danza, así que golpear el motor de la cámara a veinte fotogramas por segundo no será visto con buenos ojos, ni por los organizadores del espectáculo y especialmente no por el público que te rodea, viendo lo molesto que es el sonido constante del obturador. Golpear de esta manera también es un ejercicio pobre de composición fotográfica y de buscar los momentos decisivos, ya que dejar la decisión de qué fotograma capturar al motor de la cámara resulta en un control pobre o nulo por parte del fotógrafo y ninguna selección creativa y contundente de cuándo presionar el botón del obturador.

En este sentido, la tecnología de cámaras sin espejo prometía Valhalla: disparos silenciosos a altas velocidades de ráfaga mediante el uso de obturadores electrónicos, pero hay que tener cuidado debido al efecto de “rolling shutter” que arruina muchas fotos, debido al rápido movimiento que es muy común en la fotografía de danza. Por lo tanto, aunque la tecnología sin espejo prometía una panacea, al final puede que no resuelva todos los problemas de tener un sonido fuerte al liberar el obturador en comparación con la tecnología DSLR.

Los ensayos con vestuario suelen permitirle al fotógrafo más libertad en cuanto a posicionamiento y aportes sobre cómo proceder con la fotografía, pero es mejor coordinar con la compañía de danza, ya que la mayoría de los ensayos con vestuario tienden a ser ocasiones más discretas, con los bailarines posiblemente sin estar completamente maquillados y vestidos.

Además, como es solo humano, los bailarines también pueden estar conteniéndose de llegar al máximo alcance físico de la coreografía planeada para preservar energía para la presentación completa y disminuir el riesgo de lesionarse antes del gran espectáculo, por lo que los movimientos resultantes pueden no mostrar toda la emoción, poder o destreza atlética del bailarín o de la coreografía ofrecida.

Por otro lado, los ensayos también brindan la oportunidad de aprender y planificar para familiarizarse más con el espectáculo de danza y se puede utilizar el ensayo para comenzar a previsualizar las tomas necesarias que se capturarán durante el espectáculo principal en sí, así como planificar dónde ubicarse, dónde se posicionará la iluminación, así como su calidad, y anticipar qué tan alto será el volumen de la música y si permitirá grabar durante los momentos esenciales.

Equipo

Similar a la fotografía deportiva, capturar danza es similar a los deportes, en el sentido de que estar en el lugar correcto en el momento adecuado con el equipo adecuado aumenta tus posibilidades de conseguir las tomas que planificaste y deseas. Los buenos fotógrafos deportivos saben dónde colocarse y hacia dónde dirigir sus lentes, justo donde se está desarrollando la acción, y lo mismo se aplica a los fotógrafos de danza.

Estar directamente frente al escenario central resulta en composiciones diferentes a estar a 45 grados de cualquier lado, así como estar a nivel de los ojos en comparación con estar a nivel del escenario resulta en fondos diferentes detrás de los bailarines, lo cual podría ser ideal para evitar u ocultar cualquier elemento desfavorable que no desees incluir en la composición.

Las lentes con aperturas rápidas de f/2.8 en adelante son un requisito indispensable para la fotografía de danza, ya que la mayoría de los espectáculos de danza cuentan con una iluminación puntual con muy poca luz de fondo o prácticamente en completa oscuridad. Capturar la mayor cantidad de luz en el sensor a través de una apertura amplia es esencial, con la precaución de que esto resulta en un plano de enfoque muy delgado.

La profundidad de campo reducida significa que el fotógrafo necesita mejores reflejos, preparación, conciencia y mejores capacidades de enfoque automático en el cuerpo de la cámara para asegurar que los bailarines o los elementos que se están enmarcando estén enfocados, especialmente considerando que son sujetos muy rápidos durante la propia actuación de danza.

El tipo de iluminación utilizado en la mayoría de los espectáculos de danza es extremadamente confuso, incluso para los medidores de exposición más discernientes y avanzados, con luces muy contrastadas y puntos de luz comunes, junto con un equilibrio de colores variable. Sugerimos siempre utilizar el modo manual y medir los puntos más destacados para evitar sobreexponerlos mientras se elige la velocidad de obturación dependiendo de la composición y el efecto deseado (movimiento difuminado o movimiento congelado y/o movimiento intencional de la cámara), y el ISO completando el resto del triángulo de exposición.

Los sensores modernos están avanzando a pasos agigantados en cuanto a rendimiento en condiciones de poca luz, garantizando imágenes utilizables incluso en condiciones de oscuridad casi total, muy lejos de los días del cine analógico. Cualquier sensor de cámara con buen rendimiento en condiciones de poca luz y control de ruido en ISO más altos hasta 12,800 resulta en una cámara altamente adecuada para la fotografía de danza, por lo que la mayoría de las marcas de cámaras tienen cuerpos de cámara que se adaptan a este tipo de fotografía.

Tener en cuenta el uso del flash durante los espectáculos de danza está estrictamente desaprobado e incluso prohibido en la mayoría de los espectáculos, la razón es que el flash afectaría directamente el rendimiento del bailarín y los desorientaría, además de ser una molestia para el público. Aunque usar trípodes es permitido, dependiendo del espacio y la posición del fotógrafo que capture la danza, sugerimos usar un monopié para asegurar estabilidad o simplemente capturar a mano ya que permite más versatilidad, libertad para recomponer y moverse entre diferentes posiciones de captura.

Ajustes

La mayoría de las actuaciones de baile se llevan a cabo en la oscuridad, donde incluso las cámaras avanzadas de hoy en día tienen dificultades para lograr el enfoque automático o medir una exposición “correcta”. Andrea Mohin, famosa por fotografiar danza para el New York Times, tiende a describir la fotografía de danza como “capturar un deporte muy rápido con el que no estás familiarizado, con reglas que apenas conoces, en casi completa oscuridad” - y ella tiene razón.

Las aperturas a f/2.8 o más amplias son esenciales para capturar la mayor cantidad de luz disponible; cerrar la apertura a f/4 o f/5.6 asegurará un plano de enfoque más profundo, pero podría resultar en que la ISO sea demasiado alta para obtener una imagen utilizable con un control de ruido aceptable.

El baile es en última instancia una expresión de energía cinética, por lo que capturar el movimiento, el vuelo y la libertad dentro de una actuación de baile es esencialmente de lo que se trata la fotografía de danza. El fotógrafo debe tener en cuenta cómo será la imagen final que se pretende.

Una velocidad de obturación entre 1/250s y 1/320s generalmente congela la mayoría de los movimientos de baile con solo un pequeño rastro de desenfoque de movimiento; más lento que 1/125s a 1/250s y el desenfoque de movimiento se vuelve evidente, y si uno desea utilizar intencionalmente velocidades de obturación lenta, exposiciones largas o movimiento de cámara intencional, las velocidades de obturación a apuntar serían alrededor de 1/10s a 1/2s, o incluso más lentas según la disponibilidad de estabilización de la cámara (ya sea con monopié, trípode o estabilización interna para aquellos que no son débiles de corazón).

Para asegurar la completa congelación del movimiento, generalmente se necesita una velocidad de obturación de 1/400s o más alta, siempre y cuando el ISO y la apertura lo permitan, especialmente si se están utilizando otros accesorios durante una danza, como agua o polvos voladores.

‘Post-Procesamiento’

La decisión de procesar las fotos en color o en blanco y negro es una decisión muy personal inherente a cada fotógrafo, y depende de la visión, ideas, experiencias creativas y el sujeto presentado. Algunas tomas se adaptarán mejor al color que al blanco y negro, y viceversa. La saturación y el contraste excesivos suelen dar como resultado un final estridente y deben evitarse cuidadosamente.

Conclusión

La fotografía de danza es un género muy gratificante en la fotografía, y no necesita parecer intimidante o inaccesible. Requiere trabajo duro, dedicación e intensidad apasionada, pero el resultado está al alcance y es gratificante. Nunca dejes de intentarlo.

Sobre el autor: El Dr. Charles Paul Azzopardi es un fotógrafo de bellas artes, curador, consultor de patrimonio cultural fotográfico y escritor. Las opiniones expresadas en este artículo son únicamente del autor. Puedes encontrar más obras de Charles en su página web e Instagram.