Fotografía de paisajes: La guía definitiva

La fotografía de paisajes es uno de los géneros fotográficos más populares. Es fácil empezar con este género, pero puede llevar toda una vida dominar las habilidades de la fotografía de paisajes. No necesitas una cámara sofisticada ni un lente costoso, y las habilidades que aprendes al hacer fotografía de paisajes se pueden aplicar a otros tipos de fotografía. Esta guía cubrirá los aspectos más importantes de la fotografía de paisajes, incluyendo su historia, equipo fotográfico esencial, consejos para capturar mejores imágenes, edición básica de fotos y más. Ya seas un apasionado fotógrafo de paisajes o un principiante completo, estás en el lugar correcto.

Tabla de contenidos.

• ¿Qué es la fotografía de paisajes?
• Una breve historia de la fotografía de paisajes
• Fotografía de paisajes en la era digital.
• Por qué deberías intentar la fotografía de paisajes
• ¿Qué tipo de cámara necesitas?
• Las lentes son una parte crítica de un equipo de paisajes.
• Un buen trípode vale la pena la inversión.
• Filtros esenciales para fotos de paisajes
• Ajustes de la cámara y técnica.
• Composición en fotografía de paisaje
• Edición básica de fotos para paisajes
• Planificando tus fotos de paisaje
• Manejando el fracaso como fotógrafo de paisajes

¿Qué es la fotografía de paisaje?

La fotografía de paisajes no se ajusta perfectamente a una única categoría. Sin embargo, un hilo unificador que conecta todas las fotografías de paisajes es que la imagen muestra el mundo natural, aunque también puede incluir vida silvestre, objetos artificiales o personas.

Muchas fotos de paisajes celebradas tienen sujetos como montañas, bosques, lagos, ríos y el océano. Sin embargo, muchas fotos de paisajes influyentes también incluyen un toque humano. En un mundo en constante cambio, las fotos de paisajes que muestran nuestro impacto en el medio ambiente pueden volverse aún más importantes.

La línea entre la fotografía de paisajes, naturaleza y vida silvestre a menudo es borrosa. Una foto de paisaje podría ser las tres cosas a la vez. La fotografía de paisajes tiene una rica historia artística y su definición se ha vuelto adecuadamente amplia. Ya sea que un paisaje se represente con hiperrealismo, abstracción o cualquier estilo intermedio, es una imagen de paisaje si el fotógrafo o el espectador así lo dicen.

Una breve historia de la fotografía de paisajes.

Si bien fotógrafos famosos de paisajes del siglo XX como Ansel Adams pueden ser los primeros en venir a la mente al considerar los orígenes de la fotografía de paisajes, su historia se remonta a los primeros días mismos de la fotografía.

Por supuesto, la historia de la fotografía es un poco confusa. Una versión ampliamente aceptada es que Nicéphore Niépce fue el primero en usar una cámara para capturar una fotografía a mediados de la década de 1820. Los resultados iniciales eran rudimentarios y requerían horas de tiempo de exposición, por lo que el primer retrato estaba aún lejos. Sin embargo, los objetos estáticos, como los paisajes, se adaptaban bien al incipiente medio.

El colaborador de Niépce, Louis Daguerre, luego desarrolló el proceso del daguerrotipo. Este proceso requería solo unos pocos minutos y producía resultados más claros. En 1839, Daguerre reveló su método al mundo en general.

La fotografía aún no era práctica, pero ese mismo año, William Henry Fox Talbot demostró un proceso fotográfico diferente utilizando un negativo calotipo basado en papel y la técnica de la sal. Las mejoras en los materiales y los procesos químicos eventualmente redujeron el tiempo de exposición a segundos y luego a fracciones de segundo, haciendo la fotografía más económica.

Cuando miras las fotografías más antiguas, al menos las que han resistido la prueba del tiempo, muchas de ellas son retratos. No es sorprendente, ya que el retrato sigue siendo omnipresente hasta el día de hoy. Sin embargo, las cámaras se dirigían igualmente a hermosos paisajes. En la década de 1860, el fotógrafo Carleton Watkins capturó fotografías tempranas de Yosemite y sus áreas circundantes utilizando placas de vidrio de 18 x 22 pulgadas y una cámara estereoscópica. Regresó de su expedición de 1861 con 30 placas y docenas de negativos. Sus imágenes ayudaron a influir al Congreso de los Estados Unidos para proteger el Valle de Yosemite y garantizar que las generaciones futuras pudieran disfrutar de su belleza natural.

El fotógrafo William Henry Jackson, nacido en Nueva York al igual que yo, es considerado la primera persona en haber fotografiado Yellowstone en 1871 como parte de la Expedición Geológica de Hayden. Además de capturar impresionantes e influyentes fotos del paisaje de Yellowstone, Jackson más tarde fotografió increíbles paisajes en el Oeste Americano. Jackson, quien vivió hasta la avanzada edad de 99 años, es recordado con cariño por sus contribuciones como soldado, explorador, autor, pintor, historiador y fotógrafo.

Para finales del siglo XIX, a pesar de las hermosas fotografías de artistas como Watkins y Jackson, la fotografía de paisajes, al igual que la fotografía en general, todavía no había ganado el respeto de la comunidad artística. Sin embargo, fotógrafos como Alfred Stieglitz, Peter Henry Emerson y Edward Steichen utilizaron en el cuarto oscuro enfoques más pictóricos, y la fotografía comenzó a afianzar su lugar como una forma de arte legítima. La imagen de paisaje “The Pond - Moonlight” de Steichen en 1904 desempeñó un papel importante en lograr el respeto que merecía la fotografía.

Es imposible discutir la historia de la fotografía de paisajes sin hablar de Group f/64. El grupo, formado a principios de los años 1930 por fotógrafos radicados en el oeste de Estados Unidos, incluye algunos de los nombres más famosos en la historia de la fotografía de paisajes. La primera exposición del grupo en 1932 incluyó impresiones de Ansel Adams, Imogen Cunningham, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard Van Dyke, Edward Weston, Brett Weston, Preston Holder, Consuelo Kanaga y Alma Lavenson. La muestra duró seis semanas y su impacto fue significativo. Vale la pena destacar que el grupo estaba organizado de forma algo informal y no todos los fotógrafos que exhibieron su trabajo se consideraban parte del grupo.

El grupo, por informal que haya sido, tenía una visión general unificadora de la fotografía de paisajes. El trabajo del grupo se opuso a la tendencia anterior del pictorialismo, que inicialmente convenció al mundo del arte de aceptar la fotografía como arte legítimo. El grupo f/64 tenía como objetivo promover imágenes nítidas, bien expuestas y cuidadosamente compuestas.

Mientras que Ansel Adams es quizás el miembro más famoso del grupo y conocido por sus hermosas imágenes en blanco y negro, también trabajó en color en el comienzo de la fotografía de paisajes en color. Por otro lado, al otro lado del país, el fotógrafo Eliot Porter fotografiaba vida salvaje y escenas de paisajes en el este de Estados Unidos utilizando películas de diapositivas en color Kodachrome. Sin embargo, la fotografía de paisajes en color siguió siendo algo excepcional durante décadas.

En la década de 1960, el fotógrafo de la naturaleza Galen Rowell mostró a las personas la belleza de muchos paisajes remotos en colores brillantes. Rowell también fue fundamental en el desarrollo del filtro de densidad neutra graduado con la compañía de filtros Singh Ray. Rowell fue un prolífico e influyente fotógrafo de paisajes hasta su trágica muerte a los 62 años en un accidente de avión en 2002. Su legado será sentido para siempre.

Contemporáneos a Rowell había otros fotógrafos de paisajes en color como Ray Atkeson, Philip Hyde, David Muench, Luigi Ghirri, Neil Folberg y muchos otros. Por supuesto, la fotografía de paisaje en blanco y negro nunca ha desaparecido, y fotógrafos influyentes han continuado trabajando en blanco y negro mucho después de los primeros pioneros. Fotógrafos como Michael Kenna, Takeshi Mizukoshi y Hiroshi Sugimoto siguen creando obras significativas de paisajes monocromáticos.

Es imposible enumerar a todos los que han desempeñado un papel esencial en el desarrollo de la fotografía de paisajes, y no estaríamos donde estamos hoy sin las contribuciones de los primeros pioneros. Ellos allanaron el camino para el paisaje moderno y trabajaron incansablemente para garantizar que la fotografía de paisajes se convirtiera en una forma de arte respetada.

Fotografía de paisaje en la era digital.

La fotografía de paisajes se ha vuelto cada vez más accesible. La proliferación de teléfonos inteligentes ha permitido que prácticamente cualquier persona capture imágenes de paisajes. Han quedado atrás los días en los que un fotógrafo necesitaba cargar docenas de libras de equipo y diapositivas de vidrio al desierto para capturar una hermosa foto de paisaje.

La fotografía de paisaje moderna mantiene muchos de los mismos componentes que las primeras imágenes de paisaje. Aunque el equipo ha cambiado, la fotografía de paisaje mantiene una cierta calidad atemporal.

Los retratos a menudo muestran las sensibilidades cambiantes de las culturas a lo largo del tiempo, y las fotografías documentales, como la fotografía callejera, el fotoperiodismo y la fotografía deportiva, capturan momentos en el tiempo que generalmente son fáciles de fechar. En contraste, cualquier paisaje dado podría haber sido capturado igual de fácilmente hace décadas o ayer.

En un mundo cada vez más cambiante, con nuestro impacto en el medio ambiente sintiéndose más agudamente que nunca, la importancia de la fotografía de paisajes es aún mayor. Al igual que fotógrafos como Carleton Watkins y William Henry Jackson ayudaron a convencer a políticos y al público en general de proteger la belleza natural de Yosemite y Yellowstone, y fotógrafos como Ansel Adams enamoraron a las personas con impresionantes panoramas naturales en todo Estados Unidos, los fotógrafos de paisajes de hoy en día tienen un papel vital en convencer a las personas en el siglo XXI de hacer más para proteger nuestro medio ambiente ahora.

Por qué deberías probar la fotografía de paisajes

Hay muchas razones convincentes para probar la fotografía de paisajes. Es una excelente manera de agregar otro elemento de disfrute a tus aventuras al aire libre. Aún mejor, es una excelente motivación para comenzar a salir más a menudo al mundo natural. La fotografía de paisajes te ayuda a documentar tu entorno y puede ser una forma fantástica de aprender a disfrutar del aire libre, ya sea en tu propio patio trasero o a mitad de camino alrededor del mundo, de una manera nueva y satisfactoria.

La fotografía de paisaje es una excelente manera de fortalecer tus habilidades fotográficas si deseas mejorar tus habilidades fotográficas en general. La fotografía de paisaje fomenta habilidades técnicas, incluyendo una exposición adecuada y un enfoque nítido. Este género también te ayuda a trabajar en tus habilidades de composición. Fotografiar la totalidad de una hermosa escena es tentador. Sin embargo, la disciplina en la fotografía de paisaje te ayudará a aprender qué incluir en tu composición y, tal vez más importante, qué omitir. Esa habilidad se traduce a todos los posibles géneros fotográficos.

La fotografía de paisaje es un ejercicio de tiempo y paciencia. Claro, tu sujeto a menudo está estático, pero la luz está siempre cambiante, y la mejor luz a menudo es fugaz. Puede que necesites pasar mucho tiempo en un lugar o visitar el mismo punto muchas veces antes de capturar tu foto perfecta. Aprendes mucho sobre la luz cuando haces fotografía de paisaje. Ese conocimiento rinde beneficios en todos los tipos de fotografía.

La fotografía de paisajes es fácil en el sentido de que tu sujeto no se mueve, y cualquiera puede hacerlo. Los requisitos de equipo son mínimos. No necesitas una cámara cara, un lente masivo o equipo de iluminación.

Si bien es fácil hacer fotografía de paisajes, tomará toda una vida dominar el oficio. Tus habilidades en la fotografía de paisajes sin duda mejorarán con el tiempo y la persistencia, pero siempre habrá espacio para una mejora adicional. El hecho de que sea fácil de comenzar pero difícil de dominar hace que la fotografía de paisajes sea irresistible.

¿Qué tipo de cámara necesitas?

A pesar de la facilidad con la que cualquiera puede tomar fotos de paisajes y la barrera de entrada relativamente baja en cuanto a equipo, eso no significa que no haya cualidades en una cámara o lente que la conviertan en una elección mejor o peor para la fotografía de paisajes. No necesitas equipos sofisticados, pero sin duda existen opciones mejores y peores.

Consideremos primero la cámara. Después de todo, es la base de cualquier equipo fotográfico. La calidad de imagen a baja sensibilidad ISO es fundamental para la fotografía de paisajes. La calidad de imagen incluye nitidez, rango de color, tonalidad y rango dinámico. Deseas una cámara que capture imágenes nítidas y vibrantes con una excelente capacidad para registrar con precisión los tonos en una escena con iluminación muy variada. No necesitas una cámara de formato completo o de medio formato, pero todo lo demás igual, los sensores de imagen más grandes ofrecen un mejor rendimiento en cuanto a calidad de imagen.

Una buena cámara de paisaje no requiere las mismas características que una cámara dirigida a fotoperiodistas y fotógrafos deportivos. Estos fotógrafos ganan dinero fotografiando acción, por lo que se preocupan mucho por el enfoque automático, la velocidad de disparo y el rendimiento ISO alto, incluso a expensas de la resolución.

Otras consideraciones aparte, los fotoperiodistas y los fotógrafos de paisajes estarán de acuerdo en que la durabilidad de una cámara es importante. Cuando estás afuera, el clima cambia rápido y tu equipo necesita resistir grandes cambios de temperatura y sobrevivir un poco de lluvia.

No existe una cámara de lente intercambiable completamente impermeable y siempre debes hacer todo lo posible por proteger tu equipo. Aun así, algunas cámaras son sin duda mejores que otras para resistir condiciones adversas. Por lo general, las cámaras dirigidas a entusiastas y profesionales se mantendrán mejor con el tiempo que las cámaras diseñadas para principiantes.

Por lo que vale, nunca he tenido una cámara que se haya roto debido al clima. Llevo bolsas de plástico en mi mochila y siempre seco mi equipo antes de abrir y cambiar lentes, abriendo las ranuras de la tarjeta de memoria o cambiando baterías.

Pasará mucho tiempo componiendo imágenes de paisajes, así que querrá una cámara que sea agradable de usar. Esto incluye una interfaz de usuario inteligente, controles convenientes, un visor grande y una pantalla trasera nítida. Una pantalla articulada es útil, ya que le permite trabajar cómodamente cuando su cámara está configurada muy baja o alta.

Si bien las cámaras réflex digitales (DSLR) son perfectamente adecuadas para la fotografía de paisajes, y muchos profesionales siguen utilizándolas, es posible que te estés preguntando acerca de las cámaras DSLR frente a las cámaras sin espejo. Como su nombre sugiere, las cámaras sin espejo prescinden del espejo que se encuentra en las cámaras DSLR. Esto permite que las cámaras sin espejo sean más pequeñas y ligeras, aunque esta ventaja no siempre se materializa en los sistemas de cámaras sin espejo.

Las lentes para cámaras sin espejo también suelen ser más pequeñas y ligeras, pero esto se debe no solo a la diferencia en la tecnología de la cámara, sino también a los avances recientes en la tecnología óptica. Las cámaras sin espejo suelen incluir una mejor cobertura de área de enfoque automático, características avanzadas y un rendimiento más rápido. También ofrecen una vista en tiempo real a través de sus visores electrónicos, lo cual es muy útil.

Todos los principales fabricantes han cambiado ahora su enfoque a sus sistemas de cámaras sin espejo. Sin embargo, con la novedad y la tecnología avanzada también viene un precio más alto. Puedes armar un buen kit de cámara réflex digital por menos dinero y luego adaptar tus lentes de cámara réflex digital a una cámara sin espejo más adelante. Si estás a largo plazo y tienes el presupuesto, comprar un sistema de cámara sin espejo de antemano es probablemente la mejor opción, pero no es la única opción.

En resumen, las consideraciones principales al seleccionar una cámara para fotografía de paisajes son la calidad de imagen y, en menor medida, el tamaño del sensor (más grande es mejor), durabilidad y usabilidad. Un excelente sistema de enfoque automático rápido es un buen extra pero no es un requisito. También debes revisar las lentes disponibles para las cámaras que te interesan para asegurarte de poder comprar lentes adecuadas dentro de tu presupuesto. Si estás buscando ahorrar dinero, echa un vistazo al mercado de segunda mano y considera modelos de cámaras más antiguos que utilicen el mismo sensor de imagen que los modelos más recientes.

Las lentes son una parte crítica de un kit de paisajes.

Puedes tener la cámara más cara con el mejor sensor de imagen, pero si no colocas vidrio de alta calidad frente al sensor, estás dejando mucho rendimiento potencial en la mesa. Afortunadamente, el vidrio bueno para la fotografía de paisajes no requiere romper el banco. Aunque los objetivos de nivel profesional pueden superar fácilmente los $2,000, eso no es nada comparado con los mejores objetivos super telefoto en los que muchos fotógrafos de vida silvestre confían y que a menudo cuestan más de $10,000. Además, como veremos, no siempre necesitas objetivos de nivel profesional.

Al elegir un nuevo objetivo para paisajes, la primera decisión importante es si quieres un objetivo con zoom o un objetivo fijo. Los objetivos con zoom tienen una longitud focal variable, mientras que los objetivos fijos ofrecen una longitud focal fija. Los objetivos con zoom tienen la ventaja de ser flexibles, mientras que los objetivos fijos suelen ser más pequeños, más ligeros, más asequibles y ofrecen una apertura máxima más rápida, todo lo demás igual.

Afortunadamente, una apertura rápida no es necesaria para la mayoría de la fotografía paisajística, por lo que puedes optar por un objetivo más ligero y menos costoso con una apertura más lenta. Por ejemplo, un objetivo 24-70mm f/4 es más barato y más ligero que un objetivo 24-70mm f/2.8.

Si bien una cámara APS-C o Micro Four Thirds es una opción viable para la fotografía de paisajes, quiero limitar el alcance y discutir algunas de las lentes de fotograma completo más populares. Si abres la bolsa de un fotógrafo profesional de paisajes, es probable que encuentres una o más de las siguientes lentes zoom: 14-24 mm f/2.8, 16-35 mm f/2.8, 24-70 mm f/2.8, 24-105 mm f/4, 24-120 mm f/4, 70-200 mm f/2.8 y 100-400 mm f/4.5-6.3.

En cuanto a lentes de distancia focal fija, los lentes de 14mm, 18mm, 20mm, 24mm, 35mm, 50mm, 70mm, 85mm, 105mm, 150mm y 200mm todos tienen su lugar.

Muchos de los objetivos zoom f/2.8 anteriores están disponibles en versiones f/4, o al menos hay objetivos f/4 que ofrecen longitudes focales similares. Evitar los objetivos f/2.8 de nivel profesional es una excelente manera de ahorrar dinero sin necesariamente renunciar a mucha calidad de imagen, especialmente cuando se cierra el diafragma a f/8 o más lento.

Si estás interesado en el cielo nocturno o la astrofotografía, los criterios cambian. Ya no necesitas enfoque automático ya que de todos modos estarás enfocando manualmente, lo que permite opciones de terceros asequibles de empresas como Samyang y Rokinon. En cambio, te importa mucho la apertura máxima. Los objetivos que van desde f/1.4 hasta f/2.8 son buenas opciones para la fotografía del cielo nocturno. Cuanto más rápido, mejor. Al considerar los objetivos, asegúrate de buscar reseñas específicas para la fotografía del cielo nocturno, porque diferentes aberraciones de lente, como la aberración comática, pueden afectar drásticamente cómo se representan las estrellas.

Hablando de lentes de terceros, ¿deberías considerarlos en general? Absolutamente. Empresas como Sigma, Tamron y Tokina fabrican lentes de alta calidad que a menudo son más asequibles. A veces también son completamente diferentes a lo que ofrece el fabricante de tu cámara. Siempre debes investigar los lentes que te interesan y leer sobre las experiencias de otros fotógrafos, pero vale mucho la pena considerar las opciones de terceros.

No todos tenemos el lujo de comprar múltiples lentes de alta calidad para nuestra fotografía de paisaje. Entonces, si solo pudiera elegir un solo objetivo o tipo de objetivo para comprar, ¿cuál sería? Comenzaría con un objetivo zoom de 24-105mm o 24-120mm f/4.

Claro, no será adecuado para fotografía nocturna, pero funcionará bien para la mayoría de las situaciones de paisaje. Este tipo de lente suele costar entre $1,000 y $1,500. Sería un zoom de 16-80mm en una cámara APS-C, y en Micro Four Thirds, un zoom estándar adecuado sería algo como un 12-40mm, 14-42mm o 12-60mm.

Después de agregar un objetivo de zoom estándar a mi equipo, el siguiente objetivo en mi lista de deseos sería un objetivo de zoom telefoto. Discutiré el valor de las lentes más largas un poco más adelante.

Un buen trípode vale la inversión.

No escatimes en soporte. Sería una lástima poner miles de dólares en equipo en un trípode barato y endeble. O aún peor, no tener un trípode en absoluto. Si bien muchos fotógrafos de paisajes han capturado imágenes hermosas sin soporte para la cámara, la mayoría del tiempo querrás usar un trípode. Es una parte crítica de un kit completo de fotografía de paisajes.

Un buen trípode es un trípode estable. Mejor aún, un trípode resistente y ligero que sea duradero. Si puedes gastar dinero en comprar un trípode de alta calidad de una marca reconocida, hazlo. Un buen trípode durará más que muchas cámaras y lentes. Incluso puede durar toda una vida. Si no puedes permitirte un trípode de primera línea, está bien. Hay muchas opciones por debajo de 250 dólares que mantendrán tu cámara estable.

Al elegir un trípode, primero debes decidir qué material deseas. Los trípodes de fibra de carbono son más robustos y más ligeros que los de aluminio, pero a menudo cuestan más dinero. Necesitas determinar qué capacidad de peso necesitas para tu equipo o el equipo que podrías adquirir realistamente en los próximos años. Nunca debes poner un equipo más pesado en tu trípode de lo que está diseñado para soportar. Ni siquiera debes acercarte, así que asegúrate de que tu trípode esté clasificado para al menos el doble del peso que planeas poner en él. He visto trípodes fallar en personas; no es una vista bonita.

Cuando se trata de la altura del trípode, idealmente, tu trípode debería poder sostener tu cámara a la altura de tus ojos. No todas las escenas funcionarán mejor desde esa altura, pero cuando lo hagan, será cómodo para tomar fotos si no tienes que agacharte. Prefiero trípodes que puedan ir aún más alto, así funcionarán bien en pendientes empinadas y ofrecerán opciones de composición adicionales. Del mismo modo, es bueno si tu trípode puede estar bajo, proporcionando una perspectiva emocionante y dinámica.

Notarás que algunos trípodes incluyen una columna de soporte central. Esto parece conveniente pero tiene un par de desventajas distintas. La configuración es menos estable cuando extiendes la columna central. Además, la columna central te impide configurar el trípode cerca del suelo. Algunos trípodes tienen diseños para superar este último problema, pero en general es una buena idea evitar tener una columna central.

Necesitarás patas de trípode y una cabeza de trípode. Muchos trípodes ya vienen con una cabeza ya adjunta. Hay algunas variedades de cabezas de trípode.

Un cabezal panorámico utiliza asas o perillas ajustables para controlar el movimiento de lado a lado y de arriba abajo. Es un tipo común de cabezal de trípode y puede funcionar bien para la fotografía de paisajes. Los cabezales de bola se encuentran a menudo en trípodes más caros. Tienen un solo control que afloja o aprieta la bola, lo que te permite hacer ajustes precisos en un solo movimiento. He usado ambos a lo largo de los años, y un cabezal de bola es más fácil de usar, pero un cabezal panorámico no te limitará.

Los fotógrafos pueden usar un tercer tipo de cabeza de trípode llamada cabeza gimbal. Equilibra tu cámara y lente y está diseñada para lentes grandes y pesados. También es fácil de usar, pero las cabezas gimbal son grandes, costosas y especializadas. También hay cabezas de trípode diseñadas para crear fotografías panorámicas. Esa no es mi especialidad, pero vale la pena considerar el equipo dedicado si estás interesado en panoramas.

Al usar un trípode, mantenlo lo más nivelado posible. Si tu trípode no está nivelado, es más probable que se caiga, y eso es una mala noticia para tu cámara. Si estás trabajando cerca del agua, trata de mantener los ajustes de las patas del trípode fuera del agua, ya sean pestillos o seguros giratorios. Esto es especialmente importante si estás trabajando en agua salada. El agua, la sal y el barro pueden dañar tu trípode si no tienes cuidado.

El desgaste es inevitable, pero limpiar tu trípode, especialmente después de estar en condiciones adversas, ayudará a mantener tu trípode en buen estado de funcionamiento durante muchos años. Los trípodes no son suficientemente valorados, así que asegúrate de cuidar bien el tuyo.

Filtros esenciales para fotografías de paisajes.

Como el fiable trípode, los filtros de lente son una parte esencial de un kit de fotografía de paisajes. Si bien puedes lograr mucho al editar fotos, algunos efectos de filtro no pueden ser replicados. E incluso aquellos que pueden ser replicados a menudo se logran de mejor manera en el momento de la captura utilizando un filtro físico frente a tu lente.

Tenemos filtros de densidad neutra graduados gracias al pionero de la fotografía de paisajes, Galen Rowell. Estos filtros son oscuros en una parte y claros en la otra. Normalmente, colocas la parte más oscura sobre un cielo brillante y la parte clara sobre un elemento más oscuro del primer plano, lo cual ayuda a equilibrar una escena de alto contraste. Las cámaras modernas tienen un rango dinámico tremendo, pero aún así, algunas escenas son demasiado difíciles de capturar en una sola exposición sin un filtro, especialmente al amanecer y al atardecer.

Los filtros de densidad neutra graduados vienen en varias variedades, incluyendo las de borde duro y las de borde suave. Opto por estas últimas, ya que funcionan mejor en cualquier escena que no tenga exclusivamente un horizonte recto. El filtro de borde suave es más práctico cuando se introducen montañas o árboles.

También hay filtros de densidad neutra sólidos. Estos son filtros oscuros que reducen la cantidad de luz que llega al sensor de imagen. Si has visto fotos de cascadas suaves, es probable que el fotógrafo haya utilizado un filtro de densidad neutra. A veces, la luz ambiente es lo suficientemente oscura como para lograr una velocidad de obturación lenta sin un filtro ND, pero a menudo, se requiere un filtro ND.

Los filtros ND están disponibles en varias intensidades. Un filtro de 3, 4, 6 u 8 pasos es un buen punto de partida que funcionará en la mayoría de las situaciones. Puedes obtener más información sobre la intensidad de los filtros ND aquí.

Tal vez ningún filtro ilustra mejor lo que el software de edición de fotos no puede hacer tan bien como un filtro polarizador circular. Si bien la física de un filtro polarizador está más allá del alcance de este artículo, la utilidad del filtro es que reduce los reflejos. Ya sea un reflejo en el cielo, en el agua o en la vegetación, un filtro polarizador ayudará a resaltar el color más vibrante de un sujeto. También son instrumentales para fotografiar cascadas y arroyos, que de lo contrario reflejarían la luz ambiente y lucirían planos.

Sin embargo, debes tener cuidado al usar un filtro CPL en un objetivo de gran angular, ya que pueden afectar de manera asimétrica un cielo azul, causando manchas oscuras desagradables en tu imagen. En algunos casos, es útil capturar dos fotos de una escena, una con el CPL y otra sin él, y luego combinarlas para obtener lo mejor de ambos mundos.

Configuración de la cámara y técnica

Una vez que tengas una cámara, lente, trípode y filtros, finalmente es tiempo de capturar fotos de paisajes. Si bien hacer una gran fotografía de paisaje no es fácil, ajustar los ajustes de la cámara adecuados es relativamente sencillo.

Triángulo de exposición

Antes de llegar a la configuración de la cámara, cubriremos rápidamente el triángulo de exposición, ya que informará el resto de la discusión. Hay tres componentes principales que influyen en la exposición de su foto. Cambiar cualquiera de los tres ajustes hará que una imagen sea más brillante (más expuesta) o más oscura (menos expuesta). Los tres parámetros son la velocidad de obturación (la duración en que su obturador está abierto, permitiendo que la luz que pasa a través de su objetivo llegue a su sensor), la apertura (el ancho de la abertura que permite que la luz pase a través del objetivo) y el ISO (qué tan sensible es su sensor de imagen a la luz que recibe).

Para la fotografía de paisajes, especialmente cuando se trabaja en un trípode, la mejor ISO es casi siempre la ISO nativa base de tu cámara. Dependiendo de tu cámara, probablemente sea ISO 64, 100, 160 o 200. En la ISO base, tu cámara produce la mejor calidad de imagen con el mayor detalle y rango dinámico más amplio. Siempre que sea posible, fotografía en ISO base.

Apertura y Profundidad de Campo

La decisión principal que debes tomar es qué modo de disparo utilizar. La prioridad de apertura es buena si estás fotografiando una escena sin mucho movimiento. Esto significa que seleccionarás manualmente una apertura y tu cámara, en función de la configuración ISO, elegirá la velocidad de obturación adecuada. La apertura es crucial para la fotografía de paisajes porque determina cuánto de la escena estará enfocado. Cuanto mayor sea el valor de diafragma (f-stop) y, por lo tanto, más pequeña sea la apertura, más nítida aparecerá la escena. Por ejemplo, en f/11, la profundidad de campo será mayor y más objetos, desde cerca hasta lejos, se verán nítidos que en f/5.6.

Para hacer una breve digresión, este es un buen momento para hablar de la profundidad de campo y la distancia hiperfocal. En muchas escenas de paisajes, quieres tener enfocado tanto como sea posible para que tu imagen sea nítida de principio a fin. Sin embargo, tampoco quieres cerrar el diafragma al mínimo porque tu imagen sufrirá de difracción y será borrosa.

No necesitamos entrar en la física de la óptica, pero la idea principal es que aunque cerrar el diafragma desde la apertura máxima mejorará la calidad, llega un punto en el que cerrarlo demasiado degradará el rendimiento. Hay un equilibrio entre tener mayor profundidad de campo y una imagen aceptablemente nítida. Cada lente es diferente, por lo que es recomendable hacer algunas tomas de prueba con tus lentes antes de tomar fotos reales.

Puedes capturar múltiples imágenes con diferentes puntos de enfoque y luego combinarlas en tu computadora. Esto se conoce comúnmente como apilamiento de enfoque. También puedes usar lo que se llama distancia hiperfocal. Hay muchas calculadoras para determinar la distancia hiperfocal según tu cámara, longitud focal y apertura deseada.

También puedes simplificar las cosas determinando el objeto más cercano en tu encuadre que deseas que aparezca nítido. Luego, ajusta el enfoque hasta que el fondo de la imagen y tu objeto “cerca” seleccionado parezcan igualmente nítidos. Pueden no estar tan nítidos como sea posible, pero parecerán nítidos. En última instancia, lo que importa es cómo aparece tu imagen. Pero nuevamente, a veces un objeto está tan cerca de tu cámara que simplemente no puedes tener todo nítido y detallado en la imagen. Este resultado es más probable cuanto más largo sea tu lente o cuanto más cerca esté un objeto del objetivo.

‘Modo Manual y Velocidad de Obturación’

Volver a los modos de cámara. Otra buena opción es disparar en modo manual completo, especialmente si se utiliza una cámara sin espejo o una DSLR con capacidades de visualización en vivo. En modo manual, eliges tanto la velocidad de obturación como la apertura.

Si estás fotografiando una escena con agua en movimiento, es posible que primero quieras elegir una velocidad de obturación, como 1” o más lenta, y luego ver cómo se ve tu exposición con diferentes configuraciones de ISO y apertura. Esta también es una situación en la que puede ser necesario usar un filtro de densidad neutra. En una luz brillante, es posible que la ISO de tu cámara no pueda reducirse lo suficiente para una buena exposición a la velocidad de obturación y apertura deseada.

‘Histograma’

Evaluar tu exposición se basa en lo que se llama un histograma. Muchas cámaras te permiten ver un histograma en tiempo real y seleccionar los ajustes de la cámara mientras compones una escena. Un histograma es un gráfico que representa los tonos, o niveles de brillo, en tu imagen. El borde más a la izquierda es negro puro (sombras sin detalles), y el borde más a la derecha es blanco puro (destellos sin detalles). Todo lo que está entre los bordes extremos son píxeles con información.

Tu imagen probablemente esté bien expuesta si tu histograma tiene el pico más prominente cerca del medio, con pendientes suaves hacia cada extremo. Cualquier pico grande en cualquiera de los bordes indica que estás perdiendo detalle en las sombras (borde izquierdo) o en los resaltados (borde derecho). Dicho esto, tu cámara te muestra un histograma para una imagen en formato JPEG, no en formato raw. Los archivos de imagen raw permiten una mayor flexibilidad al editar fotos. Al procesar un archivo raw, a menudo se puede recuperar algún detalle de sombra o resaltado que parece perdido en una imagen JPEG.

Por lo tanto, muchos fotógrafos utilizan una técnica llamada “exponer hacia la derecha”. ETTR significa que su histograma JPEG está sesgado hacia la derecha, asegurando que captura la mayor cantidad de detalles en las sombras posibles, mientras tiene realces menores que se pueden recuperar fácilmente durante la edición de imágenes en crudo. Si necesita aumentar la exposición posteriormente para recuperar detalles en las sombras, introducirá ruido en estas áreas de su imagen, como si hubiera disparado a una ISO más alta de la que realmente utilizó.

Cada cámara es ligeramente diferente en cuanto a la flexibilidad de sus archivos en bruto, así que necesitarás probar tu cámara. Además, a veces simplemente habrá un resalte o una sombra en tu imagen sin ningún detalle, y eso es perfectamente aceptable.

Compensación de exposición y bracketing

A veces una escena es tan brillante en algunas áreas y oscura en otras que incluso un filtro de densidad neutra graduado no hará suficiente trabajo. Tal vez una escena tenga elementos más brillantes y más oscuros en todo el encuadre, y tu filtro oscurece o ilumina áreas que no quieres que se vean afectadas. En situaciones como esta, puedes utilizar la compensación de exposición. Esta configuración permite que tu cámara capture sucesivamente imágenes ligeramente más brillantes u oscuras que el resto utilizando lo que se llama compensación de exposición.

Tu cámara te permite utilizar la compensación de exposición en cualquier momento, incluso si no estás utilizando el bracketing. Me gusta usar una compensación de exposición de +0.3 a -1.0 en la mayoría de las situaciones porque tu cámara está diseñada para intentar exponer una imagen a lo que se llama ‘gris medio’. Esto hará que las áreas blancas aparezcan gris en lugar de blanco. Eso normalmente no es lo que queremos, así que no temas utilizar la compensación de exposición cuando no estés utilizando el modo de disparo manual completo y tu cámara esté tomando decisiones de exposición automáticamente.

Una vez que hayas capturado imágenes enmarcadas con diferentes ajustes de exposición, puedes combinar las imágenes en una imagen de alto rango dinámico (HDR) utilizando software o tomar un enfoque más práctico y hacer una mezcla de exposiciones. Esto volverá a aparecer en la sección de edición de fotos, pero la idea principal es que puedes lograr un rango dinámico más amplio utilizando varias fotos tomadas con diferentes ajustes de exposición que con una sola imagen.

¿Qué es una imagen en bruto?

Si eres principiante, es posible que te estés preguntando, “¿qué es una imagen en bruto?“. Casi todas las cámaras, e incluso la mayoría de los teléfonos inteligentes, te permiten capturar un archivo de imagen en bruto. Un archivo de imagen en bruto incluye datos mínimamente procesados ​​del sensor de imagen de tu cámara que luego deben ser procesados ​​por un convertidor en bruto, como Adobe Lightroom, para mostrarse en un espacio de color utilizable. Los archivos de imagen en bruto tienen mucha más flexibilidad que los JPEG, lo que te permite extraer más detalles, color y tonalidad de lo que sería posible de otra manera.

Siempre debes tomar imágenes de paisajes en formato raw. Si quieres tomar imágenes en formato raw + JPEG, está bien, pero asegúrate de tomar imágenes en formato raw con la máxima calidad y el tamaño más grande que permita tu cámara. Hay mucho debate sobre la calidad de archivos raw sin comprimir versus comprimidos. No necesitamos resolver ese debate, pero al menos deberías elegir una opción comprimida sin pérdida.

Otros ajustes de la cámara para comprender.

Otras configuraciones de la cámara a considerar incluyen el balance de blancos, la reducción de ruido en exposiciones largas, la reducción de ruido en ISO alto, las correcciones de lente y el modo de enfoque automático. Para el balance de blancos, recomiendo usar el automático. Puedes ajustar fácilmente el balance de blancos al procesar tus archivos de imagen en formato RAW más adelante, pero el automático suele ser un buen punto de partida.

En cuanto a la configuración de reducción de ruido, dejo desactivada la reducción de ruido en la cámara. Prefiero realizar la reducción de ruido al editar las imágenes. Las correcciones de lentes están bien dejarlas activas, pero nuevamente, a menudo es mejor realizar estas correcciones tú mismo. La mayoría de las cámaras y lentes tienen perfiles de corrección disponibles en muchos editores de fotos, y generalmente son mejores que las correcciones realizadas en la cámara.

Modos de enfoque

El enfoque automático es una gran pregunta para muchos fotógrafos. Tu sujeto casi siempre estará estático al hacer fotografía de paisajes, por lo que quieres usar AF-S o enfoque automático de un solo disparo. La terminología varía según la marca de la cámara.

Para la zona de enfoque automático, prefiero usar una configuración de punto único que puedas mover alrededor del encuadre según sea necesario. No dejes que tu cámara determine el sujeto de tu foto. Aunque los sistemas de enfoque automático son increíbles, tienes tiempo para ejercer control.

Hablando de tiempo, tómate el tiempo para hacer zoom en tu imagen y asegurarte de que esté enfocada. Si la luz es baja, como cuando tomas fotos por la mañana temprano o después del atardecer, no temas cambiar al enfoque manual. Nuevamente, haz zoom y verifica el enfoque. Siempre enfoco manualmente cuando hago zoom con la vista en vivo.

Usando el temporizador o el control remoto de tu cámara

Hay una configuración más que quiero discutir, el autodisparador. Aunque recomiendo usar un control remoto inalámbrico o con cable para controlar tu disparador en fotografía de paisajes, el autodisparador de tu cámara servirá en caso de apuro. Usar el autodisparador garantiza que no estés tocando la cámara cuando se abre el obturador, eliminando el riesgo de movimiento de la cámara. Esto es especialmente importante al hacer exposiciones largas. La mayoría de las cámaras tienen un retraso predeterminado de 5 o 10 segundos al utilizar el autodisparador, lo cual es demasiado largo para nuestros propósitos, así que cambia a 1 a 3 segundos para poder tomar más imágenes. Los retrasos de 10 segundos se acumulan.

Composición en fotografía de paisaje.

Puedes capturar una imagen con una exposición perfecta y un enfoque nítido, pero no será una buena foto si no está bien compuesta. Será competente a nivel técnico, pero no artístico.

En esta sección, discutiré diferentes aspectos de la composición que vale la pena considerar. No todas las reglas o pautas deben aplicarse en todas las situaciones. Sin embargo, estos consejos valen la pena pensar en ellos cuando estés en el campo o al recortar tus fotos de paisajes.

Pero antes de entrar en los consejos, vale la pena mencionar la importancia de identificar tu tema. Todos los fotógrafos han sido culpables de tomar una foto de nada en algún momento u otro. Una escena hermosa puede parecer una imagen valiosa por sí misma, pero eso rara vez es cierto. Una buena composición requiere identificar un tema. Todo fluye a partir de esa decisión inicial crucial.

Regla de los tercios

La mayor parte del tiempo, colocar tu sujeto justo en el centro del encuadre es una mala idea. Rara vez funciona en la fotografía de paisajes. Colocar tu sujeto descentrado a menudo hace que una imagen sea más interesante. Si no estás seguro de dónde colocar tu sujeto, la clásica “regla de los tercios” es una buena opción. Lo genial de esta regla es que funciona bien en muchas situaciones y tiene una superposición disponible en la mayoría de las cámaras y el marco de recorte predeterminado en la mayoría de las aplicaciones de edición de fotos.

Curvas

Las curvas son una forma útil de guiar la mirada del espectador a través del encuadre. Si encuentro una posible curva en una escena de paisaje, es emocionante. Carreteras rurales sinuosas, corrientes serpenteantes, o incluso la manera en que la luz golpea los objetos en tu foto pueden crear curvas visuales. En última instancia, el objetivo es mantener al espectador interesado, y hay pocos elementos compositivos mejores para lograr esto que las curvas.

‘Líneas rectas’

Las líneas rectas también son excelentes, especialmente cuando creas composiciones con líneas paralelas o perpendiculares. Las líneas paralelas crean una bonita simetría en tu escena, mientras que las líneas perpendiculares muestran más dinamismo y poder. Al igual que las curvas, no es necesario que sean líneas prominentes que golpeen al espectador en la cabeza. Pueden ser sutiles, como ligeras diferencias en color o brillo. Utilizar curvas o líneas rectas como líneas guías hacia tu encuadre y hacia tu sujeto es ideal. Las líneas diagonales también son excelentes elementos compositivos.

Equilibrio

El equilibrio compositivo es vital. El equilibrio se puede lograr de muchas formas, incluyendo a través de simetrías, equilibrando las áreas claras y oscuras de tu encuadre y balanceando el color. En resumen, no quieres que tu imagen esté demasiado inclinada hacia un lado. A veces me gusta aplicar un desenfoque temporal a una imagen al editar para ver cómo se está desarrollando el equilibrio de la imagen. Eliminar los detalles me ayuda a ver cómo se ve la imagen solo en términos de valores tonales y color. Si mis ojos se dirigen a un área específica, necesito ver si es ahí donde quiero que la atención del espectador se dirija.

Cuida tus bordes

Este es uno grande. No deseas que tu sujeto sea cortado por el borde del encuadre. Si hay un solo elemento o un pequeño grupo, como un árbol o un grupo de flores, intenta mantenerlos dentro del encuadre y lejos del borde. Al configurar una escena, es posible que te concentres demasiado en componer tu sujeto y pierdas de vista el resto de la imagen. Antes de tomar una foto, constantemente escaneo el borde mismo del visor o monitor para verificar si he cortado algo o si hay algo que distraiga. Da a tu sujeto espacio para respirar y existir dentro de tu composición.

No tengas miedo de acercarte más

Si hay elementos innecesarios o distractivos cerca del borde de tu foto, considera acercarte o hacer zoom. La mayoría de las veces, una primera composición incluye demasiado en lugar de no tener suficiente: demasiado cielo, demasiada agua, demasiado primer plano, etc.

Primer plano y profundidad.

Hablando de demasiado primer plano, eso no quiere decir que no debas incluir primer plano en tus fotos de paisajes. No todas las escenas funcionan mejor con una composición en capas, pero muchas sí. Una gran manera de crear capas y profundidad en una escena es utilizar elementos en primer plano. Una de las primeras cosas que hago cuando llego a un lugar nuevo es buscar algo que pueda utilizar como un primer plano interesante. Puede ser una roca, flores o un charco. Al incorporar algo cerca del objetivo, creas una sensación de escala en tu foto y hay más cosas para que el espectador explore.

No existe tal cosa como ir demasiado amplio.

Si estás utilizando elementos en primer plano en tu composición, es posible que te tientes a usar un lente ultra gran angular. Los lentes ultra gran angular son ideales para capturar más de una escena y ofrecer perspectivas emocionantes. Sin embargo, también pueden hacer que un fondo grande e impresionante parezca más pequeño en relación a los objetos más cercanos al lente. La perspectiva es importante tenerla en cuenta. No queremos que una imponente montaña parezca una pequeña protuberancia en el horizonte.

Orientación vertical para fotos horizontales.

“Orientación de paisaje” no significa que no puedas fotografiar paisajes verticalmente. La orientación predeterminada de tu cámara es horizontal, a veces llamada orientación “paisaje”. No te dejes engañar; disparar verticalmente siempre es una opción. No todas las escenas funcionan mejor verticalmente, pero es una excelente idea considerar composiciones en orientación “retrato”.

Manteniéndolo simple

El principio de diseño de “mantenlo simple, estúpido” se aplica bien a la fotografía. Algunas de tus fotografías de paisajes favoritas pueden parecer complejas, pero casi siempre son simples cuando se simplifican. Tu imagen no necesita hacer mucho para ser efectiva. Necesita ser interesante y, en última instancia, ser interesante rara vez requiere complejidad. Si algo en tu encuadre no está haciendo el trabajo importante de ayudar a tu sujeto, considera eliminarlo por completo del encuadre. O, al menos, asegúrate de que no sea una distracción. Una composición fuerte es una simple.

Colores

Podrías escribir un libro sobre colores. Muchos lo han hecho. Al componer fotos de paisajes, lo mínimo que hay que considerar sobre el color es cómo interactúan los tonos entre sí y cómo los colores diferentes tienen más “peso” en una composición.

Si piensas en la clase de arte de la escuela primaria, los colores complementarios son los más importantes a considerar. El azul y el naranja se complementan entre sí, al igual que el rojo y el verde. Estos no son inusuales en la naturaleza, y estas combinaciones de colores se complementan entre sí y contribuyen a una composición dinámica.

También es importante pensar en cómo el color afecta la emoción de una imagen. El azul puede ser calmante, el rojo es más intenso y demanda más atención, el naranja crea una sensación de calidez y el amarillo es brillante y enérgico, solo por nombrar algunos. Los ajustes en la temperatura de color de una escena, haciéndola más fría o más cálida, pueden afectar drásticamente la emoción de tu imagen.

Mantén las cosas niveladas

Haz todo lo posible por mantener tu cámara nivelada al capturar fotos panorámicas. Muchas cámaras incluyen un nivel incorporado. También puedes comprar un pequeño nivel para colocarlo en la zapata caliente de tu cámara. No importa cómo nivelas tu cámara, solo asegúrate de hacerlo. Un horizonte torcido distrae y corregirlo durante la edición requerirá que recortes parte de tu imagen.

Un resumen de composición.

Hay mucho más que decir sobre composición, y es una habilidad en la que pasarás el resto de tu vida trabajando para mejorar. Sin embargo, supongamos que recién estás comenzando y te sientes abrumado. En ese caso, las tres ideas compositivas más importantes siempre para recordar son entender tu sujeto, organizar el encuadre para enfatizar el sujeto mientras descartas cualquier distracción y mantener tu imagen simple. El resto se irá acomodando a medida que avances.

Edición básica de fotos para paisajes

A veces puede parecer que aprender a editar fotos es incluso más complicado que aprender a tomar buenas fotos en primer lugar. Mantendré las cosas relativamente simples aquí porque rara vez necesitarás pasar mucho tiempo editando fotos si utilizas buenas técnicas de cámara y filtros. Tampoco es necesario complicarse con qué aplicación de edición utilizas. Muchos editores de fotos harán el trabajo. Pero, si no tienes idea de por dónde empezar, el Plan de Fotografía de Adobe cuesta $10 al mes e incluye Adobe Lightroom y Photoshop, dos de las aplicaciones de edición de fotos más populares. Hay muchos recursos educativos excelentes para el software de Adobe.

También es una buena idea asegurarse de que su monitor esté calibrado. Probablemente no sea necesario comprar un nuevo monitor, pero si está interesado en mejorar su monitor, eche un vistazo a nuestra selección de los mejores monitores para fotografía y edición de fotos. Un buen monitor calibrado mejorará su flujo de trabajo de edición de fotos y será especialmente útil cuando comience a imprimir imágenes.

‘Cropping’ - Recorte

Cuando abres tu imagen de paisaje en una aplicación de edición, debes asegurarte primero de que se apliquen las correcciones disponibles para el perfil de la cámara y el objetivo. Esto es especialmente importante en las tomas de gran angular, ya que es más probable que estas lentes presenten distorsión.

A continuación, considera el recorte. Idealmente, dedicaste tiempo en el campo y capturaste la composición perfecta. Sin embargo, a veces necesitas ajustar la composición después del hecho. No hay nada de malo en recortar para mejorar la composición. Tampoco hay ninguna razón en contra de utilizar una relación de aspecto diferente a la de tu sensor de imagen. Solo porque tu cámara tome imágenes en formato 3:2 o 4:3 no significa que debas permanecer con esa relación de aspecto, especialmente si tienes la intención de imprimir tus fotos.

Ajustes globales

Suponiendo que hayas estado disparando en formato raw, lo cual absolutamente deberías estar haciendo, tienes mucha flexibilidad para el resto de tu flujo de trabajo de postprocesamiento, especialmente con el balance de blancos. El balance de blancos automático hace un gran trabajo, pero es posible que desees cambiarlo ligeramente para reflejar mejor cómo se veía la escena en ese momento, incluyendo cualquier tono de color, o tal vez desees cambiar la emoción de tu toma haciéndola más fría o más cálida. Cuando disparas en raw, el mundo está a tus pies en lo que respecta al balance de blancos, así que experimenta.

Después de recortar y ajustar el balance de blancos, ahora es un excelente momento para revisar tu histograma. El histograma de tu imagen en bruto puede verse ligeramente diferente al que viste en la parte trasera de tu cámara. Recuerda, típicamente deseas que tu histograma al editar esté equilibrado, lo que significa que tu foto tenga un rango completo de tonos.

Puedes ajustar tu imagen utilizando deslizadores, como exposición, brillo, contraste, sombras, luces, negros y blancos. También puedes utilizar ajustes de curvas. Prefiero usar curvas, pero los deslizadores son más directos y a menudo ofrecen buenos resultados. Con cada ajuste que hagas, verifica en tu histograma y presta especial atención a la calidad de imagen de las regiones de sombra y resaltado de tu imagen. Como con cualquier ajuste, a menudo es mejor tener un toque ligero.

También puedes ajustar los colores individuales y la saturación general de tu imagen. Tal vez quieras enfatizar una armonía de colores particular en tu foto o llamar la atención sobre colores específicos. Normalmente me enfoco en unos pocos colores en una escena, a menudo verde, azul y naranja. Estos son colores comunes en una fotografía de paisaje, al menos donde suelo tomar fotos, y un ligero aumento en la saturación o brillo de estos colores dará más “impacto” a una foto de paisaje. Al igual que con los ajustes de brillo, es fácil exagerar, por lo que hacer ajustes mínimos es la mejor práctica.

Ajustes Locales

Hasta ahora, hemos discutido lo que se llaman ajustes “globales”. Estos ajustes se aplican a toda tu imagen. También existen ajustes “locales”. Estas son formas poderosas de dar los últimos toques a tu imagen porque se aplican específicamente solo a ciertas partes, colores o valores tonales de tu foto.

Si bien no hay límite para lo que puedes hacer con tus fotos, los ajustes locales comunes incluyen el uso de pinceles de ajuste y filtros graduados virtuales. Al igual que la última versión de Adobe Lightroom Classic, algunas aplicaciones tienen tecnología de inteligencia artificial para seleccionar y enmascarar automáticamente el cielo en las fotos. Esto te permite ajustar la exposición, el color y mucho más de tu cielo sin afectar el resto de tu imagen.

Hay diferentes formas de hacer ajustes locales más allá de los filtros, pinceles y máscaras automáticas. La mayoría de los editores de fotos también te permiten seleccionar un rango específico de color o luminosidad. Esto significa que puedes elegir un área de la imagen que tenga un color o brillo particular y editar solo esos píxeles. Estas máscaras a nivel de píxeles son precisas de una manera que las selecciones de enmascaramiento manual nunca serán.

Afilando

No hay una receta perfecta para el éxito al afilar, ya que las imágenes de diferentes cámaras se verán mejor con diferentes niveles de afilado. Visualiza tu imagen al 100% en tu editor de fotos al afilar las fotos. Quieres que tu imagen se vea nítida y detallada, pero introducirás artefactos y ruido si exageras con el afilado. Existe una línea muy delgada entre una imagen que se ve detallada y que parece artificial.

También puedes utilizar técnicas de ajuste local y máscaras para mejorar solo áreas con detalle en tu imagen, como montañas y árboles, en lugar de toda la foto, incluyendo el cielo que probablemente no tenga ningún detalle que quieras resaltar. Yo generalmente uso un enfoque ligero con la nitidez y te recomiendo que hagas lo mismo.

Técnica especial: apilamiento de enfoque.

Anteriormente mencioné que no siempre es posible obtener suficiente profundidad de campo con una sola imagen, especialmente cuando estás fotografiando con un objetivo más largo o incluyendo elementos cercanos en primer plano. Aquí es donde entra en juego la técnica de la fusión de enfoque. Para fusionar imágenes de enfoque, primero debes capturar múltiples imágenes con diferentes distancias de enfoque. Idealmente, los archivos tienen exposiciones idénticas, o al menos muy similares. Un modo de disparo manual puede ser útil aquí.

Una vez que tengas tus imágenes, puedes cargarlas en software como Photoshop o Helicon Focus. Yo normalmente uso Photoshop y luego cargo mis imágenes apiladas de enfoque como capas. Voy a Editar > Alinear capas automáticamente > Automático. En este punto, tienes dos opciones. Puedes ir a Editar > Mezcla automática de capas > Apilar imágenes. Esto debería funcionar bien en muchas situaciones. Puedes crear máscaras de capa y apilar manualmente tus fotos si no lo hace. Helicon Focus también es una excelente solución automatizada.

Esta es solo una descripción general de la técnica de apilamiento de enfoque, pero es un tema extenso. Esta guía paso a paso sobre el apilamiento de enfoque es un recurso excelente si deseas probar técnicas de apilamiento más avanzadas.

Un resumen de edición.

En última instancia, lo que importa más no es el histograma ni ningún control deslizante o ajuste, sino cómo te sientes acerca de tu foto. Si te gusta cómo se ve, hiciste un excelente trabajo con la edición. Sin embargo, unas palabras finales sobre la edición de fotos. Quieres utilizar técnicas de edición no destructivas. Muchas aplicaciones de edición de fotos funcionan así de forma predeterminada, pero es importante preservar tus archivos de imagen raw originales. Al igual que tus habilidades de edición de fotos, tus habilidades de edición mejorarán con la práctica, y es posible que desees revisar imágenes antiguas años más tarde. Con ese fin, haz una copia de seguridad de todos tus archivos de imagen originales.

Planificación de tus tomas de paisajes

La mejor hora del día para la fotografía de paisajes

Puedes capturar grandes fotos de paisajes en cualquier momento, pero muchos fotógrafos de paisajes prefieren la mañana temprano o la tarde y noche temprana. Capturé la mayoría de mis fotos favoritas dentro de una hora después del amanecer o antes del atardecer.

Prefiero el amanecer porque casi siempre hay menos gente alrededor y todavía tengo el resto del día por delante cuando termino de fotografiar. Es una excelente manera de empezar el día.

Explorando ubicaciones

Disparar al atardecer tiene una clara ventaja, sin embargo. Puedes llegar a un lugar por la tarde y explorarlo con luz completa antes del atardecer. Explorar los lugares es importante porque te permite planificar las imágenes potenciales con anticipación, y puedes probar distintas composiciones cuando la luz no es tan buena, asegurando que estés listo cuando las condiciones sean favorables, si es que lo son.

Algunas ubicaciones funcionan mejor al amanecer y no al atardecer, o viceversa, debido a cómo la luz impacta la escena. La exploración te ayuda a tener una idea de esto, pero también puedes usar aplicaciones como PhotoPills para planificar tus tomas y ver cómo interactuará el sol con una ubicación determinada. PhotoPills también es genial para obtener otra información, como los horarios de amanecer/atardecer y la salida/puesta de la luna, calcular la exposición con diferentes filtros, calcular la profundidad de campo y mucho más.

Estaciones.

En cuanto a las estaciones, esto depende mucho de la ubicación. Algunas áreas hermosas no son accesibles durante todo el año, así que eso es algo a considerar. Los patrones climáticos estacionales pueden tener un impacto significativo en cómo se ve un lugar también. En general, me gustan todas las estaciones excepto el verano. No hay nada malo en el verano, pero si estás tan al norte como yo, el verano significa amaneceres extremadamente tempranos y atardeceres muy tardíos, lo que hace que levantarse temprano sea aún más desafiante. El verano también significa humedad, lo que frecuentemente causa condiciones brumosas.

La importancia de la preparación

Todos estos factores desconocidos demuestran la necesidad de explorar e investigar ubicaciones. No hay sustituto para estar en una ubicación, pero el valor de investigar desde casa tampoco debe subestimarse. Si estás planeando un viaje específico para la fotografía de paisajes, especialmente si es costoso, dedica el mayor tiempo posible a planificar diferentes áreas que deseas visitar y decidir cuándo crees que esas áreas serán mejores en cuanto al momento del día y el clima.

La fotografía de paisajes puede parecer una empresa tranquila, pero hay momentos en los que la buena luz desaparece extremadamente rápido, y cuanto más preparado estés de antemano, mayores serán tus posibilidades de éxito.

Manejando el fracaso como fotógrafo de paisajes.

Puedes hacer todo bien – hacer todos los mejores planes, investigar extensamente y componer la toma perfecta en el campo – y la buena luz nunca llega. Te vas a casa con las manos vacías. Es frustrante y, desafortunadamente, inevitable. Si pasas mucho tiempo haciendo fotografía de paisaje, rápidamente descubrirás que los días mediocres y malos superan en número a los buenos.

Es más fácil decirlo que hacerlo, pero debes intentar encontrar el lado positivo. Incluso si no se presentan buenas condiciones para tomar fotos, aún deberías poder hacer una valiosa exploración y obtener nueva información sobre un lugar. Me gusta tomar notas en mi teléfono, especialmente cuando visito un lugar nuevo. Incluso si no obtengo buenas fotos, al menos aprendo algo y me doy una mejor oportunidad de hacer una buena imagen la próxima vez.

También es una oportunidad para probar un estilo diferente de fotografía. Tal vez las condiciones no sean buenas para la toma que imaginaste y esperabas capturar, pero pueden estar bien para otros tipos de imágenes. Puedes intentar cambiar de lentes, dirigirte a un lugar cercano o probar diferentes técnicas como la fotografía de exposición larga. A veces la luz plana puede funcionar bastante bien para fotos de exposición larga o incluso para paisajes en blanco y negro, según la escena.

Palabras finales

La fotografía de paisajes es increíble. Es una gran - y accesible - manera de mejorar tu disfrute al aire libre y mejorar tus habilidades fotográficas en general. Es una mezcla gratificante de preparación, habilidad y suerte. No hay muchas cosas más emocionantes que cuando todas las piezas se juntan y logras hacer una hermosa fotografía de paisaje.

Espero que esta guía te haya ofrecido algunos consejos útiles tanto para probar la fotografía de paisajes por primera vez como para mejorar tus habilidades existentes. En última instancia, no hay sustituto para salir y capturar fotos. ¡Feliz fotografía, y que la luz siempre esté a tu favor!

Sobre el autor: Jeremy Gray es un fotógrafo y escritor con base en Maine. Puedes encontrar más de su trabajo en su sitio web.

Créditos de imagen: Todas las fotografías, a menos que se indique lo contrario, por Jeremy Gray.